[设计艺术] 梵高的画到底好在哪？

天天财汇购物网址万年历小说 | 三峰软件小游戏视频

TxT小说阅读器
↓小说语音阅读,小说下载↓

一键清除系统垃圾
↓轻轻一点,清除系统垃圾↓

图片批量下载器
↓批量下载图片,美女图库↓

图片自动播放器
↓图片自动播放,产品展示↓

首页淘股吧股票涨跌实时统计涨停板选股股票入门股票书籍股票问答分时图选股跌停板选股 K线图选股成交量选股 [平安银行]

股市论谈均线选股趋势线选股筹码理论波浪理论缠论 MACD指标 KDJ指标 BOLL指标 RSI指标炒股基础知识炒股故事

商业财经科技知识汽车百科工程技术自然科学家居生活设计艺术财经视频游戏--

天天财汇 -> 设计艺术 -> 梵高的画到底好在哪？ -> 正文阅读

[设计艺术]梵高的画到底好在哪？

[收藏本文] 【下载本文】

用iOS上的 Van Gogh HD 看过他的画，这算看过大部分作品么？梵高的伟大之处在哪里？构图，笔法，用色，还是内涵？

我有个学艺术史的朋友，相聊几句，发现即便看过许多名家作品，梵高依然是心头最爱。
不，用她的话，应该是：越是对比，越是觉得梵高可贵，越是爱。
今年一月去了一次荷兰，在梵高博物馆从早上呆到闭馆，实在是，怎么说呢，内心情感涌动。不可否认的，梵高是一个天才，是一个“有一颗金子般的心”的人，他的话将情感和美感融入，偏偏特别动情，偏偏特别美。
以下我将根据梵高博物馆的解说（没错我拿了一个本子记了一路），和一些来自度娘维基的补充，以及特意重看了一遍蒋勋讲梵高，来探讨一下梵高的画到底好在哪里。
一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。
梵高在1880年决定开始正式画画，那时候他27岁，他搬去乡下跟他的父母住。作为一个没有工作的单身狗，被爸妈嫌弃是必然的。。那时候的梵高，虽然在画画，但是日子过的很压抑，这可以从当时给弟弟提奥的信里看出，他自嘲自己过的连条狗都不如。当时的作品普遍比较灰暗，颜色比较单一。
但是在这样的情况下，他画出了《吃土豆的人》。准确地说，这幅画是1885年画的，但在那之前，画家已经开始构思练习了。
吃土豆的人为什么是名作？蒋勋说，梵高当年画矿工画农民，是一种救赎，他想救赎自己，而他拿起画笔的时候是在画他无法救赎的人。而我最感动的是，梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候，居然还有怜悯之心去同情他人。吃土豆的人里，柔和的灯光，昏暗的房间，“我想传达的观点是，借着一个油灯的光线，吃马铃薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起马铃薯－他们诚实地自食其力”。

［吃土豆的人 potato eaters, 1885］
1885-86年，梵高在安特卫普进行了短暂的学画。

[Skull of a Skeleton with Burning Cigarette，1886 ]
梵高在1886年去巴黎，可以说，这家伙终于踏上了艺术这条不归路。当时是个什么情况呢？莫奈，马奈，毕沙罗，罗丹等等艺术家在巴黎正以“先锋艺术”的形象大展头脚。梵高就像一个小粉丝一样，怀着一颗惴惴不安的心，住进巴黎蒙马特。那段时间，他开始形成自己的艺术风格。他开始经常出门去画这个城市，画市郊，画静物。这时候他的作品开始出现明媚的颜色。

［塞纳河上的桥 Bridges across the Seine at Asnières, 1886］

［Fishing in Spring, the Pont de Clichy (Asnières), 1886］
当时的法国很流行日本艺术浮世绘，有人认为是浮世绘“活在当下(living in the moment)”的精神深受小市民的欢迎而奉为主流思想。梵高期间也模仿过好几幅浮世绘。

［艺伎 The Courtesan］

［李树 Flowering Plum Tree］

［歌川广重原画 Plum Park in Kameido］
对梵高来说，油画就跟文字一样，只是另一种表达方式。
注意，这时候是19世纪，在之前一点点，古典主义着重的是形体和轮廓，强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调，也就是说，一张油画就像是咔嚓一张照片一样。
而当时莫奈为代表的印象派，开始强调不同的光影对色彩的变化，莫奈有许多捕捉统一景物在不同光线下色彩的油画，也就是像在照片上加了不同效果的滤镜……
而以梵高为代表的后印象派，则是将心境画入作品中，主观意识的表现取代了客观的描绘。
后印象派又启发了后来的野兽派（马蒂斯）、立体派（毕加索）、象征派、表现主义等。
1888年，梵高搬到了阿尔勒。他的精神开始不正常了，但是他的作品色彩更明亮，他也更狂热地去尝试新手法。

［向日葵 sunflowers 1888］向日葵是一个系列，有多个版本。

［黄房子 The yellow house, 1888］

[罗纳河上的星空 Starry Night Over the Rhone，1888]
在阿尔勒的时光应该是他最开心的时候。他为此还画了自己的房间给好基友高更，邀请他前来同住。

［在阿尔勒的房间 Bedroom in Arles］
然后高更来住了。两个神经病的碰撞结果就是在1888年圣诞节前夕，两人大吵了一架，于是发生了著名的割耳事件……
我想，人的情绪有时候像一碗水，寡情的人水少，碗怎么晃动也不会洒出，因此看上去很平静。而梵高这样的疯子，情绪太丰富，水已经要溢出，稍微一晃动就一发不可收拾。和高更的争吵一定是让他伤尽了心，于是他想换一个方法转移痛苦，然后……对，他就把耳朵割了。。。
随后，他被送去了圣雷米的疗养院。事实上是，梵高挺享受在疗养院的日子。因为很安静平和，没有什么可以让他情绪波动。他像是一直活在自己的世界里，现在终于不用被外界打扰了。
1889年。他在精神病院里，画出了《星空》。那大概是梵高内心最纯净的颜色。

[星空 the starry night, 1889]

［杏花 Almond tree blossom,1890］
1890年，他在法国的Auvers-sur-Oise画了《麦田里的乌鸦》。根据梵高博物馆的解说，这幅画并不是他的绝笔。梵高的绝笔是一副植物的根交错的画。不过画完《麦田》没多久，他就被发现开枪自杀在麦田里了。
PS：之前看到有文说梵高并非自杀，而是被附近儿童开枪误杀，为了保护儿童他就干脆装自杀了。。？不确定其真实性，倒是觉得，以梵高的性格，包庇别人的过错也不奇怪。

［麦田里的乌鸦 Wheatfield with crows, 1890］
关于梵高的几个细节：
1，梵高割耳朵事件：事实上梵高并没有割掉一整个耳朵，只是割下了耳垂上一小片。据说是因为忍受不了精神上的煎熬。然后他很脑残地把这片耳朵送给了他当时的心上人——一个妓女。这不废话一定会吓到别人嘛！然后就没有然后了啊！
2，有那么多梵高的自画像。事实上并非他自恋，而是因为画家请不起模特，拿自己下手不需要花钱。
3，就像前面说的，《麦田里的乌鸦》并非梵高最后的画。
4，梵高死后，他最爱的弟弟提奥也没有活多久，就跟着哥哥走了。两人被葬在了一起。世人现在需要感谢的，是提奥的妻子，是这个女人让梵高的画被世人发现，而享誉世界。
开启不同于前人的艺术，启发后人的艺术，这就是梵高作品的伟大之处。
但更多的伟大，来自梵高的作品能打动人。高更的伟大在于他的自我和反叛，莫奈则是对人／自然／艺术的爱，相比这两人，梵高的生活更为不堪和落魄，但是他的作品里永远是明亮的，美好的，纯真的，积极的。善良淳朴的人性之美，和坚持纯粹的艺术之美的交合。这大概就是为什么他的作品特别能打动人的原因吧。

梵高是我最爱的画家，没有之一，我心里的永远唯一的挚爱。
很多年前，我是看不懂梵高的。
我小时候学画，画那种工笔画仕女图，一点一滴精细描绘，“画得像”是我对绘画作品最高的理解。当时的我真的看不懂“画得不怎么像”的梵高。
后来在一个酒吧里，酒吧的老板在当地算得上有品味，会挂一些当时年幼的我看不懂的画。有一次我遭受学业不顺和失恋双重打击，在酒吧里喝得酩酊大醉，甚至开始出现幻觉。我看到墙上那副画，天空有涡状星云，繁星闪烁，夜幕下的丝柏树像一团火焰，小村庄笼罩在一片祥和宁静里。突然觉得整个世界都平静下来，心中所有愤懑好像找到出口，自己的难过有人理解，我就在这幅画面前看得泪流满面。
后来你们都知道了，这幅画就是《星夜》，当时看到的仅仅只是一幅临摹品。（在此想说下星夜的原画其实画幅很小）

从这个契机开始，我突然看得懂梵高了。
一件艺术作品的好坏，远远不止“像不像”，要那么像，拍照不就好了么？照片像素还那么高。
《loving vincent》里，提到了vincent写给弟弟theo的信：
“当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。
当我画一片麦田，我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。”
梵高的作品最特别之处，我个人觉得是能让你产生情绪共鸣。我一直觉得这种情绪共鸣贯穿了他作品的始终。当然配色也非常赞，但他后期的作品才从一片灰蒙蒙的色调里脱离出来，而情绪共鸣是从早期的作品到临终时最后一幅作品都一直存在。
你能从画面笔触色彩和颜料的层层堆积里，感受得到他当时的情绪，甚至能感受得到他在当时所能听到的声音看到的光影。你能明显感受到他的画想要把眼睛看到的一切、心所感受到的一切，统统通过画布传达给你。
所以你能懂么？他的画是有情绪有力量有感染力的，并且你能在静止的画面里感受得到生命力和时间空间的流动性。
（我说的这些都是指原画和印刷质量非常好的画册，很多低端印刷品低劣的纸质和油墨是无法让你体会这些的。）
你看《星夜》（我的最爱也是最知名的作品，同样也是我的第一幅梵高作品的临摹），夜空中繁星闪耀流光溢彩，你能感受到夜晚有风吹过，云在漂，丝柏摇曳得像火焰，星星忽明忽暗。

你看《麦田群鸦》你能感受到麦田麦浪翻滚，你甚至能听到乌鸦的叫声在头顶此起彼伏，暴风雨来袭前夕乌云压顶，三条道路通向远方看不到尽头，都是戛然而止，让你萌生恐惧和迷茫。

上面的《麦田群鸦》我发了细节照片，他的笔触是他独创，让色彩和光影能舞动起来，把你拖进他的世界，让你看到他的想法和情绪。你看到这些堆积着的颜料，短而用力的排线，和形态不规整的乌鸦，你是不是能感受到压抑窒息的气氛以及他当时阴郁激动濒临崩溃的情绪？
其实写到这里我有点难过，很想掉眼泪。有时候觉得自己就是他的前世情人，不然我为什么这么懂他呢？
我手里有一本梵高画册。随便拍了几副

他画的向日葵，葵花籽是带着一种难以抑制的生命力竖立着，它在粗暴地生根发芽。

他画的咖啡馆，各种颜色叫嚣着，彼此闯入彼此内部，你会觉得自己当天就在这个咖啡馆点了苦艾酒喝完，看到的场景就是如此。

这就是艺术作品的生命力和情绪，无论过去多少年，都能帮你复原当时情境，你能够一下子进入他。
前面有高票答案也说过，一件艺术作品的好坏，要结合创作者创作时候的时代背景和心态。
看过很多关于他的书报、电影和纪录片。
BBC有个纪录片《艺术的力量》，一共8集介绍了8位对后世影响深远的画家，其中包括梵高。
他把人生看成是一个朝圣的过程，把自己看成传教士，专门为穷苦人家传去福音，当他看到那些无依无靠的人、喝得酩酊大醉的人和一些娼妓，他想要去寻找渴望得到光明的人们。
所以他放弃了以往的生活，1880年，27岁的梵高才决定开始画画。
为什么我如此心疼他？因为我能理解他，我学过画，长期枯燥乏味日复一日练习以及日后长时间的无人赏识，画卖不出去被家人嫌弃，会让你陷入自我否定的情绪里。而他正是被生活折磨得遍体鳞伤的人，处于同样社会的底层，他能看到比他更不幸的人，想为他们发声。
后来他回去和他父母一起住，父母嫌弃他，并不欢迎他回去，觉得他像一条脏兮兮的流浪狗，和邻居说他是个丑陋的怪物。（真的心疼）

就在他被生活折腾得遍体鳞伤，连家人都嫌弃的时候，他的画依旧是饱含着深情的。
每个人可能都会有执念，为了自己心中永不崩塌的理想，在世俗来看他穷困潦倒，作品无人赏识，他不该去画画，可是他还在坚持，用买食物的钱来买颜料，看过他原画就知道他对颜料是多么不吝惜，他内心对于自己无比忠诚，想到这个就会体会他在画每幅画时候的心境和情绪，所以你很难不在他的画作里产生共鸣。
在这样的环境下，他画了《吃土豆的人》。

这是梵高在1885年画的，距离他决定开始画画已经5年。
整幅画是用浓重的黑色，在这幅画里你还是感受得到我前面说过的画面的情绪。
弥漫画面的是锄头上灰尘的颜色。沾染颜料的画笔更像是劳动者的工具，画面看起来就像是被挖过铲过而不是画笔画过，他说任何一个想描绘看起来很软弱穷苦农民的画家自己都穿得很体面，而他的画是创作者和画中人的完美结合。
所以你看到这里更加看得懂梵高一些了么？
他虽然被生活操过满身伤痕，但他内心是对众生是有着怜悯之心的，而这种怜悯之心体现在画布上是能让你看得到摸得着的，你是能够为之动容的。
很多人熟悉的梵高作品大部分是他生前最后两三年创作的，在圣雷米精神病院期间和在最后灵魂归宿地一个法国小城奥维尔。
评价一个艺术家的好坏影响还要看他对后世的影响，在他之前有没有人这么做，在他之后对其他艺术家的影响。
在他割下自己一小片耳朵之后他住进了圣雷米精神病院，精神分裂摧毁了他同时也成就了他。
精神分裂症是成年人保持一种早期的婴儿或者孩童的状态，按照精神分析法来讲，3个月前的婴儿都处于偏执分裂的精神状态，“分裂”是这个世界的一分为二，好的和坏的是不能并存的，“偏执”是认为这个世界上只有好的或者坏的存在，并且我是好的，3个月前的婴幼儿的世界就是这样的，成年人会从这个状态里走出来，而精神分裂患者就永远停留在这个状态里。
自我是个牢笼，将自己和世界的其他存在割裂开，它像一个壳，大多数人需要这个壳来保护自己，但有这个壳的人对世界没有这么敏感，而梵高的壳是破裂的，所以他对于世界的敏感度比普通人要高得多，这让他痛苦，但同时也会让他对这个世界的观察更加地细致入微。
所以他保持着孩童的状态又对这个世界的观察更加细致入微，导致他后期作品的颜色更明亮，脱离了灰蒙蒙的色系，配色更大胆，更加敢于尝试和创新，更加表达了自己的主观感受和真实情感，并不只单纯的去记录客观肉眼所看到的，更多了一层他所能感受到的情绪和他在精神分裂状态下对色彩的情感表达。
他把肉眼所见事物和内心所感受到的情绪重新组合，用自己的理解将他们抽象排列，用更炽烈对比更鲜明的颜色表现出来传达给他人，在他之前没有人这么画过，所以他是后现代表现主义的先驱。
对我而言，我最喜欢的梵高作品都是在这一时期出现的，包括《星夜》和《罗纳河上的星夜》，下面几幅梵高后期作品，还是去感受一下我一直在说的画面的情绪、生命力和流动性。

说了这么多，其实想说言语永远不能表达他的画万分之一，不能表达他对生命和艺术的热爱，在这个世界上，生而为人对不起，每个人都有很多这样那样的无奈。
他虽然生活得如此艰难，却依然热爱生命和艺术，对芸芸众生心怀怜悯，他的作品呈现给大家的永远是一种最纯粹的美，这难道不值得感动么？
我只希望他的孤独有人能懂，你了解他的孤独，你也便会了解这世界上形形色色同样孤独存在的同类。
在这么多年对梵高的热爱里，我看外界的一切景色，脑子里会自动给眼前所见加上梵高滤镜：他的配色色调和他画面呈现出来的点彩笔触。
我能想象得到他来画我眼前所见所想又是什么样子。
越爱他就越爱他的画，就越想了解他，也就越能理解他。
我心疼他生前无人赏识，心疼他在自我怀疑的情绪里死掉。如果真的有时间机器，你再看一看你的画现在被挂在博物馆里每天不知道多少人来朝拜，你会不会有多一点点欣慰？
我非常爱的一个片段，以前就看过，前几天朋友给我又发了一次，毫无例外地还是看完泪流满面，看一次哭一次。
同样热爱梵高的你，也一定会爱的。但愿真的有这么一天。
https://m.bilibili.com/video/av7168854.html
最后
我的临摹《星夜》

世间亘古孤独的，不止是山川
前世和你生活在同一时代
今世能亲眼看一看你的画
已经是最大的幸运

纠正一个，梵高很有钱，你看他上颜料跟堆奶油一样就知道了，没有大袋金子不会这么造。
所谓梵高穷，那是因为这小子一不把钱财放在心上，而是脑子楞，把银行家弟弟的钱，都拿去救济高更和一堆不入流的人物。梵高在色彩，光，影上的天分同期无人可比，将梵高的画和实景对照，就会发现梵高的眼是有本事将一切美化的。至于毕加索，那根本就是两个时代的人，没什么好比。

我有兴趣继续探讨一下“梵高的画好在哪儿？”
我从小就喜欢画画，大学时按着父母的要求学了理工，没受过专业熏陶，但对美、对色彩自认为比普通人敏感一些。我过去很多年一直没喜欢上梵高的画。不明白，那些唯有眼神还算矍铄的自画像为什么背景总是短而局促的几笔，难道画家没有心思完成整幅画吗？著名的《向日葵》左看右看除了色彩明亮之外看不出好；《星夜》倒是唯一觉着有点出彩，像科幻小说......相比较而言，我更喜欢莫奈、毕沙罗、还有能把人像和光影画得美轮美奂的雷诺阿。他们的画比梵高的画更符合我的审美。我从他们的画中感受到了大自然的美：阳光和煦地照在大地上，晚霞浸染着天空那些变化莫测的云，微风吹拂着湖面荡起一层层涟漪，少女的皮肤被阳光照得白皙透亮。看到那样的画，就好象置身于大自然中，听着潺潺地溪水声，满眼都是绿那么惬意。
直到两三年前，我去了趟欧洲，中间有一站荷兰阿姆斯特丹，工作的空档我去了梵高博物馆，一切不一样了。因为同去的还有几个同事，我义务做了讲解员。为了做讲解，读了梵高的自传，他和弟弟的书信集，从网上找了他的画，还有对他的评论，做了一系列功课。也正因为如此，当我走进梵高博物馆时，马上就被博物馆肃穆的气氛感染了。博物馆不允许拍照，我有更多的时间站在梵高的油画前看画，体会笔触，创作时的心境。从他早期的画到最后的画一一看过，还包括他的一些小品，素描草本。我久久地停留在最后那幅画《麦田上的乌鸦》不舍得离去，我想体会他当时是一种怎样的绝望状态，会朝自己的胸部开枪。如果你只是在网上，或者小画片上看梵高的画，那真的不容易体会出它的好来，因为你看不到画家更细致的笔触和油彩的质感，而当站在原画面前时，假如你是个绘画爱好者，会不自然地推敲他绘画的过程，如何用色，能真切地感受到画家想传达出来的那种情绪。比如下面这幅，是我从维基上找来的：

下面这幅是我对着手里的一个画书拍的，为了贴在知乎上已经缩小：

我能感受到画家狠狠地把油彩挤在画布上，用力几笔，揉进翻滚的乌云，黑线勾勒的乌鸦奋力挣扎着，画笔饱蘸着高纯度的油彩短促地排线，因为过于激动身体僵硬而微微颤抖......他画的是当时的气氛，无比压抑情绪下的麦田。区别于印象派，后印象派强调作品抒发艺术家的自我感受和主观感情，在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，要表现出“主观化了的客观”。
抛开画家所处的社会环境来评价一个画家的成就和画作是不完整的。梵高所处的时代，学院派仍然是主流艺术，印象派作为新兴的画派尚未被主流社会所接受，更别说后印象派了。梵高一生困苦，生前只卖出过一副油画。他热爱绘画又很敏感，因得不到肯定而自卑。还好他在巴黎的时候结识了几个好朋友，其中包括高更和塞尚，他们三个人是后印象派杰出的代表。高更有一次赞了他的向日葵，他就在高更来访时住的卧室墙上挂了专门为他创作的向日葵，朋友的赞扬让他有好心情继续创作下去。梵高是死前四年才接触印象派，如果不是因为对绘画的热爱，他又怎么会用全部的心血投入到和当时社会格格不入的画风中去呢？正如《星夜》中像焰火一样闪亮的星星那样，他对绘画有火焰般的热情，忍饥挨饿对着他能看到的单调的景物反复练习和尝试新的画法，一生中画了35幅自画像，11幅向日葵，若干幅麦田。他最后的两年是在病魔的折磨下度过的。活动范围很有限，就画目之所及的景物：房子、卧室、椅子、盆景、花园、果树，有什么画什么。绘画燃起他对未来的希望，他想快点好起来，将来可以画更有诗意的题材。
梵高的画好在哪儿？有个性，不媚俗，敢于尝试和创新，表达了真实情感，这很伟大。景物在画家的头脑中经过重新构造和抽象，更能抓住所描绘景物的本质，突出主观感受。画法上在印象派的基础上吸收了日本浮世绘的一些构图和用色方法，并形成了自己的风格：用色专断，画得很快，更容易捕捉到动感，为的是最充分地表现自己。他是现代表现主义的先锋。
自画像背景总是短而局促的几笔？他有四幅是覆盖在以前的练习画上，有七幅是在习作的背面，有七幅是在纸板上画的，因为穷困使用的是廉价的绘画材料。有时面部用传统的画法精细的刻画，有时用点彩和补色法。他在做各种尝试和练习，非常勤奋。
《向日葵》好在哪儿？因为花瓶里的花很快就会枯萎，所以必须快速的做画，“我满怀激情地在绘画，就像一个马赛人喝着浓味鱼肉汤那样”
《星夜》像科幻小说？恩，他觉着身体有点好了，充满着对未来的憧憬。被旋转的星云包裹着的闪耀的星星，对比着宁静的小村落，前景的柏树枝向天空伸展，表现的是生命力，像黑夜中燃放的焰火一样炫丽。
我一直觉着，绘画作为一种艺术，传达的是美。有点压抑了，最后献上梵高的一副画作《花瓶中开花的小杏枝》

”这里的冰雪很美，田野里仍然银装素裹，我完成了一副以城市为背景的白色冬季风景作品，另外还有两个小的杏枝习作，尽管天气如此寒冷，杏枝还是开花了“

hi，来跟大家问个好。
看到很多同学提到了梵高的画有很高的“动态”，有很重的“情绪”。
实际上，这些都是艺术家本人的秘密，是在绘画的笔触与色彩使用中，一点点实现的。
梵高并不疯，而且他的笔触的控制、色彩的控制、以及张力的控制，已经到了无可匹敌的水平。
在这里，大家要非常明白一个事实：艺术品是只有原作的，复制品、电脑上看到的小图，全部都无法展现原作的面貌。
很多评论中黑梵高的人，其实只是出于两点：1，没看过原作；2，我们国家的美育不合格。这是很遗憾的事，但是希望读者能保持一个良好的心态，对看不懂、或者一时看不明白的东西，保持一分尊重，并尝试慢慢进入和体会。
正好今年初，在美国看到了原作，也写了篇文章来解析梵高。在这里和大家一同分享一下。
今天一提起艺术/艺术家这些词，简直就和摆明了要骗人一样。不然呢？“农妇画画超过梵高”、“孩子就是天生艺术家，什么画也比不上孩子的画”、“周春芽凭什么高冷值500万”……种种混杂着角度、知识、眼光差别的言谈混淆不清，造成了今天人们谈艺术色变的情况。
今天，我们就从艺术家的角度，来谈一谈到底怎么判断一幅作品。
在上一篇如何欣赏蒙德里安的画？ - 王晶的回答 - 知乎，我们已经超近距离地观察了蒙德里安对色彩的认识。简而言之：你以为瞎来、乱来的知名现代美术作品，有它极其过人之处。
蒙德里安是粉刷匠吗？

（2016年王晶实拍于MOMA，纽约）
如果你仔细观察这些实拍，是否发现它好像与你平常所见的几百像素图片有些许不同？
仿佛黑色的线条严格地分割了画面，仿佛所有色块浮现于画面之上，又好像纵横的黑线中，还存在着细微的交叠。
这是如何做到的？

是的，你没看错。在蓝色块与黑线的交接上，存在着极其明显的，用笔触分割出的界限。蓝、白色块略微地高出画面，它是一幅有着向内纵深的画面！是雕塑一样的绘画。
与此同时，你是否注意到了，两条黑线其实并非均一的黑色？给你一个大写的YES，横线相对于纵线来说，其黑度差了一点点，也就是说，它其实是一条深灰线！蒙德里安在这里利用了人眼视觉特性：黑色与灰色相交的时候，黑色一定会跳跃出来，使人眼首先注意到黑色！这就是为什么你看到这张画时，你眼前会浮现出大量的纵深面，感到这幅画具有卓绝的纵深感！
如果你把观看这篇文章的屏幕调到最亮，你甚至可以看到，蒙德里安为了让竖线更黑，在上面着重又压了几笔黑色。其黑度大大高过横线的黑度。
蒙德里安在一系列的画作中，均严格地使用了这一技法。我们还可以继续欣赏一些局部：
<img src="https://pic3.zhimg.com/v2-56e1aacce9ed309e5b5e2703c308bf9e_b.jpg" data-rawwidth="640" data-rawheight="853" class="content_image" width="640" data-original="https://pic3.zhimg.com/v2-56e1aacce9ed309e5b5e2703c308bf9e_r.jpg">黑灰线的纵横交叠，横线黑度明显多处高出纵线（注意，如果你的屏幕不好，真的看不清，没关系，知道就行了，因为这个细节也只能看原作来识别）。明明是一幅看起来只有黑白两色的画面，却出现了横线与黑线穿插、交叠的效果。这就是黑度不同导致的。
黑灰线的纵横交叠，横线黑度明显多处高出纵线（注意，如果你的屏幕不好，真的看不清，没关系，知道就行了，因为这个细节也只能看原作来识别）。明明是一幅看起来只有黑白两色的画面，却出现了横线与黑线穿插、交叠的效果。这就是黑度不同导致的。
真正天才的艺术家，知道如何运用最简单的原理，并且以这一最简单的原理，创作出极其复杂的内容。黑的外在形式与它在画面中需要执行的功能融为了一体，这是现代美术思想中最重要的一部分内容。

继续欣赏其局部，可明显观察到他对黑的运用原理：1，图上方的横灰线与纵黑线相交时，在相交处细微地增加了一笔更黑的黑色，以严格区分两条线条的相交处；2，第二条横黑线穿过纵黑线时，明显黑度不如纵黑线，同时纵黑线靠细微笔触严格地分割了出来。

而在这一即有黑线、又有黑面的局部上，蒙德里安使用了同样手法：1，黑面的黑度大大高于黑线，而在线面分割上，又严格地雕刻出了面的高度。

黑、白、红色彩构成……

黑、白、黄的色彩构成……
不知道大家是否注意到了在这几幅画面中，色彩的处理问题。
实际上，色彩是高度复杂的。在蒙德里安这几幅画中，白色其实并非真正的纯白色，而是一种与其黑、红、黄等色对应的灰色。
没有真正的纯白，也没有真正的纯黑。所有的色彩都是互相对应的。
蒙德里安真的仅仅是个粉刷匠吗？相信看完上面这些细节，这个答案就非常明确了。
在几幅画当中，同时处理了色彩构成的原则、线与面的关系、黑与灰的关系……这样几幅画，将人们对色彩的认识往前推进了一大步！这才是蒙德里安真正的贡献：以近似科学家的态度，将人对色彩的感知、对线面和谐的感知，以最简单地技法严格地证明了出来。
我们接着来看梵高。
梵高在中国，可谓一个常常被人提及的谜团：他代表着中国人对艺术创作、疯狂的浪漫幻想。但疯狂就可以创造艺术吗？这就是对天才最大的误解了。
下面这幅图，是我们在网上所能找到的最大精度的《星空》。很多人对《星空》的认识，也不会超过这样一张3000像素边长的图。

看起来没什么特别的，对吧。图片取自网络。
但真正的《星空》是这样的：

是的，梵高所有的笔触，都是具有色彩延伸、变化，和方向的！
在他的每一笔笔触里，都具有完整的色彩变化、形态与走向。这不是疯狂地画出来的，每一笔都是高度的控制力下。
仅仅在上面这个局部中，就出现了五个肌理的方向，而这些全部是用笔触、色彩变化做到的！
<img src="https://pic4.zhimg.com/v2-d5bc50fc510d55e51bd1afed0ff0e3cf_b.jpg" data-rawwidth="640" data-rawheight="853" class="content_image" width="640" data-original="https://pic4.zhimg.com/v2-d5bc50fc510d55e51bd1afed0ff0e3cf_r.jpg">《星空》是一部使人感到眩晕的作品，因为在这一幅画中，梵高的笔触出现了大量的方向上的对抗，它们全都在延伸、旋转，像激流一样流动。看上面这部分局部，仅仅绿色就出现了浅绿、深绿、深灰绿、棕灰绿、黑绿，而棕色同样出现了五六种。它们之间的递进、纠缠以及肌理上的延伸，构成了具有疯狂动力的前景。
《星空》是一部使人感到眩晕的作品，因为在这一幅画中，梵高的笔触出现了大量的方向上的对抗，它们全都在延伸、旋转，像激流一样流动。看上面这部分局部，仅仅绿色就出现了浅绿、深绿、深灰绿、棕灰绿、黑绿，而棕色同样出现了五六种。它们之间的递进、纠缠以及肌理上的延伸，构成了具有疯狂动力的前景。
梵高确实疯了。一个正常的人，无论如何是不可能从星空的场景中看到事物如此疯狂的流动的。从认知角度来说，我们可以推测梵高的思维状态出现了非常异常的情况。但是，就是这种异常，推动着梵高用他高度纯熟的技艺，描绘出了他眼前的一切。在这一过程中，人们眼中的疯狂仅仅是推动力，是认知的高度异常、技巧的纯熟、绘制中高度的理性与克制，使他最终完成这幅《星空》。这幅画的难度、技巧成熟度以及其中疯狂中透露出的灵性光辉，都达到了顶峰！这才是《星空》之所以为杰作的原因。
既然都说到这里，不如看一看下面这幅。

梵高的笔触是靠灵感与偶然吗？绝不是。我们看看这幅《蔷薇》就知道了。这幅画作于1890年，就在梵高进病院之前。

淡绿色很平常，但淡绿色用到这个地步并不平常。这种褪色几近苍白。而即便是在进病院之前，梵高的笔触也展现出了极高的理性控制：所有画的花瓣，均是由极其微妙的色彩迁移做内容，以笔触做肌理完成。

绘画并不等同于乱画，并不等同于含混不清。艺术创作始终存在标准，并且这一标准是高度残酷的：写下了《茶馆》的老舍最终跳湖自杀，可《茶馆》却偏偏是一个充满幽默感和喜剧感的作品；同时，如果《茶馆》让你笑不出来的话，作为作家的老舍，其价值就要大打折扣。
在上面的讲述中，我们可以揭示的几件事是这样的：
1，艺术绝不等同于乱画，并且艺术创作存在高下之分。艺术家的世界是极其微妙的。把戏是最容易抓住人眼的东西，可真正的艺术家并不玩把戏。真正具有严肃价值的作品，是具有极高的理性的。
人们由于不了解艺术，或者仅仅接触过艺术史上一些片言碎语，而匆匆对艺术做出判断，如“蒙德里安”就是个粉刷匠“，这仅仅是无知和误解，而不是见解。
2，中国与西洋美术的关系是断裂的。这个断裂开始弥补，仅仅是一百年前，徐悲鸿从法国带回石膏像，才刚刚开始。只是由于传播媒介的问题，我们往往不得了解作品的真相，所以才会出现“农妇梵高奶奶画得比梵高还好”、“200元的农妇画怎么就比不上周春芽500万的画”这种奇谈怪论。
手机、电脑这样的载体，到底能对一幅画造成多大影响？我们来看安德鲁·怀斯《克里斯蒂娜的世界》。

仅仅从这幅小图来看，仿佛这是一张极有诗意的画面。女人的腰线极其柔美，仿佛是温柔滴触摸……
很多人都被迷惑了……
接下来看

怎么出现了刺眼的白发……

哪里是什么少女，肌肤明明几近于尸体。
是的，这幅《克里斯蒂娜的世界》看起来温柔，但那仅仅是假象。克里斯蒂娜实际上是怀斯的一名残疾邻居，有一天，她在艰难爬向自己家的时候，被怀斯画了下来。

看起来是充满温柔的家？那仅仅是你的电脑/手机的背光屏幕，以及我翻拍时翻拍设备自动调整亮度的结果。
原画中，实际的效果接近下图：

实际上，这幅画的白值特别低。但是在背光屏显示，白值变高了一点。一下子就看起来仿佛是个很温柔的画。
从温柔到低沉恐怖，实际上仅仅是由于你的屏幕造成的：白色直接牵涉到画面整体亮度和感官上的高度。在你的屏幕上，白的展现变高了，画面就开始变亮丽；白低一点，开始变得温柔。再低一点开始变得压抑，更低一点就变得抑郁了。
我们在中国，接触到的西方美术，基本都是经过扭曲的。本篇当中的图，基本都是用手机拍的。如果看得不清晰，也真的没有办法，原作复制太难了。希望大家有机会多去美术馆看一下原作。
以文本，如西方的艺术哲学理论，艺术史阐述来接近一个艺术家的作品，和与他面对面，感受他的直觉与触觉，是完全不同的事。
并不存在艺术，也并不存在艺术史，真正存在的只有艺术家和他的作品。
（生硬地转折一下
最近，我在暗房中，重新绘制了一下梵高、莫里迪阿尼等人的作品，作为我拾取的这个世界的美的碎片。许多美的事物在一起，我给它取名叫《幻想集》。是献给我父母的一部作品。

题主的问题是：在iOS的梵高HD上看完了梵高的画，是否算是看过了梵高，那么这个问题其实已经得到解释了：
那不算看过梵高。要去博物馆看原作。
那不算看过梵高。要去博物馆看原作。
那不算看过梵高。要去博物馆看原作。
好了，感谢大家看我絮絮叨叨说了这么多，希望能对大家有一点启发。
想听更多关于绘画的内容，可以添加我们的小助理。

你看看梵高自己怎么解说他的画的，以下是梵高亲自写给一直支持他画画的弟弟提奥的信。
当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。当我画一片麦田，我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。当我画一棵苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我将不再眷恋人间。
——《亲爱的提奥》文森特·梵高
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853年3月30日—1890年7月29日）
今天要说的故事是《被嫌弃的梵高的一生》，说说关于他那十几幅有名的画创作背景故事。
梵高出生在1853年3月30日一个荷兰南部的牧师家庭。他是第二个孩子，他的哥哥一出生就死了，而次年同一天梵高出生。所以他父母就给他取了和他哥哥一样的名字。但是梵高一出生，他父母就一直沉浸在失去哥哥的伤痛中。梵高在幼儿时代缺少关爱，然后梵高的父母又在他之后生了五个孩子。然后牧师家庭每天家里都聚集着很多人。父母除了把爱分给弟弟妹妹外，对梵高的关爱就更少了。梵高幼年时代总是一个人跑去田野树林中玩，甚至有一次，一个人走到了边境上，在大自然中，梵高觉得自然又快乐，这也可以在他后期的一些画作中体现出来。

梵高一生中画过很多麦田和自然景色
因为缺乏关爱，梵高总是会做出一些夸张及破坏的举动来吸引父母的注意。然后梵高就被他父母送去了全日寄宿制学校，然后梵高非常想父母接他回家，在学校里以自残的方式，把父母吸引过来，但是父母来看了一下他还是没有接他回家。所以你们经常会看到梵高的作品里面有黄色的小马车和小屋，那个小马车经常代表梵高希望他父母来接他。后来见回家无望，梵高就拼命学习，考试取得了那个学校最好的名次。

门前的大树黄色小马车和亮着光的小屋是梵高对家的诠释
梵高16岁的时候，去他叔伯家的画廊帮工，在英国伦敦被已经订婚的房东的女儿欺骗，失恋后，离开伤心地。

吃土豆的人
又在矿场上做过牧师，临摹米勒的画作，那时候开始创作一些关于矿场工人和农田的绘画，比如表现矿工困苦生活的吃土豆的矿工一家，后又与一个有数个孩子的妓女同居后遭抛弃并染上性病。他的父母再一次嫌弃了他。

梵高创作的夜空下的露天咖啡馆（这是阿尔勒的咖啡馆，借用一下）
于是，在 1886 年，34 岁的梵高就到了巴黎。在巴黎的咖啡馆和画室他认识了更多的画家，并且接触到了印象派和日本浮世绘技术。

说要帮助梵高的画廊老板

临摹浮世绘

这是梵高早期临摹米勒的播种者的画风

这是在巴黎接受了印象派画风之后画的播种者的画风
然后他跑去了法国南部，在阿尔租下了一幢小房子，并且邀请巴黎的画师们一起来画画。但是没什么人理他，得知好友高更愿意来阿尔，他快乐的回信说画了一副"向日葵"挂在画室里迎接他。然后，二人在阿尔小屋画图创作，逛妓院，度过了梵高生命中最美好的一段时光。

梵高在阿尔租住的小屋，二战期间被炸毁

为迎接友人到来，创作挂在画室的向日葵
但是好景不长，梵高喜欢用大色块来捕捉光。而高更擅长平涂，两人因为艺术分歧经常吵架。梵高的父母并不支持梵高画画，只有一个从事艺术品买卖的弟弟支持梵高的租房画画开销。

高更的画

高更画的正在创作向日葵的梵高
而圣诞前夕，梵高收到了弟弟来信说要结婚了，婚后可能会减少对他的接济，（梵高一生给弟弟写过900封信）而这个时候梵高正好在跟高更吵架，梵高跑去找心爱的妓女寻找安慰，高更让妓女对梵高说"你要么给我5法郎，我会像大爷一样伺候你，要么你就给我你的耳朵。"

接着，梵高回家拿了剃须刀，跑到街上跟在高更的背后，追到高更后，两人互相对瞪了一阵子，梵高就回到家中，割下了自己的耳朵，用画布包起来送给了妓女。因为在当地的斗牛场，有个规矩就是胜利者可以割下牛耳朵当战利品。所以，梵高把自己的耳朵送给妓女，到底代表了他是胜利者还是那头被斗败了的牛？

阿尔勒竞技场
接着梵高被诊断出了精神病，1895年被他弟弟送去了疗养院。

阿尔勒疗养院
次年1896年梵高的侄子出生，梵高专门创作了寓意新生的杏花送给弟弟庆生。

梵高本来想把自己一只耳朵的自画像送给母亲，后来改成送《小夜》。

1890年3月，梵高以400法郎(1000美元)价格卖出了人生第一幅画，红色葡萄园。

红色葡萄园
接着的两个月里面，梵高又在疗养院创作了鸢尾花。

并且在他精神病最疯癫的状态中，创作了最有名的作品之一"星月夜"，巨大黑色的龙柏树的阴影后方，星星和月亮被卷在巨大漩涡中。

1890 年 6 月，梵高第二次精神崩溃进医院疗养期间，创作了这幅代表作之一《星月夜》。此时离他去世只有一个月时间了

《加歇医生》Portrait of Dr. Gachet 1890 画布油画 67*56cm
1890年，在自杀前的一个月，梵高住进精神病院接受精神科医生保罗·加歇（Paul Gachet）的治疗并创作此画。1990年，此画以8250万美金卖给了日本第二大造纸商-- Ryoei Saito先生，创下当时艺术品拍卖最高价格。
医生本人是艺术家，也是精神病医生。经常帮那些巴黎的画家看病，医生非常肯定梵高的艺术才能，梵高和医生的女儿关系很好，经常聊天游玩划船。但是在一次梵高和他弟弟的家庭聚会中，医生指责了梵高拖累他弟弟的生活，这些年梵高弟弟支持他画画的钱够买一栋别墅，然后不巧刚出生不久的侄子又生病了，这件事给梵高带来了非常大的心理压力。

麦田上的鸦群（Wheat Field with Crows）
1890年7月29日，梵高在创作完最后一副画，《麦田上的群鸦》后，留下遗言，
"灵魂被猛火燃烧，却无人来取暖"
后，开枪自杀。
就是在心理学上面，有的人失恋会痛不欲生而有的人不会的原因，一个人幼年时期被父母忽视的情感创伤不会消失，只会隐藏起来。但是他成年后如果再遇到抛弃，就会激发出他幼年全能自恋时期的心理创伤。因为幼儿被抛弃，等待他的只有死亡。而成年人被抛弃事实上不会死亡。但是因为有精神创伤，所以你现在能理解梵高为什么会做出各种疯癫的行为？其实梵高最后是死于精神创伤。
另一个版本，梵高死因之谜，?1889年盛夏时节，梵高病愈出院。他体格强健，肩膀宽阔，脸色健康，面带微笑，非常结实。他每天背着作画的工具去田野里作画，画?的?最多的便是麦田，金黄的，一望无垠的，只存在于自己想象中的麦田。一天晚上，他回到了家，肚子上有一个弹孔。他跟别人说，自己偷了邻居的手枪，朝自己肚子里开了一枪。但是医生和警察没有找到手枪，也没有找到他的绘画工具，而且推断出，开枪的位置离他应该有一段距离。几十年后，有健在的目击者站出来说，一些“年轻的男孩”在玩耍时意外地打中了梵高。因为害怕被控谋杀，这些男孩从来没有主动站出来过;而善良的梵高选择了保护他们，没有说出真相。
　　1889年7月29日午夜时分，梵高在弟弟的怀抱中停止了呼吸，临终留下最后一句话：“我想就这样死去”。
这就是被《嫌弃的梵高的一生》~ 本文全篇手打，转载请注明出处。

看画要看原作。
去年在上海看莫奈展，离三米远看那幅巨大的紫藤花，眼前真的是一片流动的迷雾笼罩的紫色花朵，而在照片上它只是一张乌糟糟的胡乱涂抹的色块

你可以这么理解，
梵高的画是动图。

梵高作品中的无意识
一些拥有天赋的诗人、艺术家会有认识到精神分析的真相，艺术创作需要的不是艺术家的无意识，而是存在于艺术作品之中的无意识。它有很多维度的理解。我们可以理解为，艺术创作不仅仅是艺术家对自身无意识的表达，而更是这些无意识通过作品本身得以显现。我们也从梵高的作品去理解，艺术作品不仅仅是梵高个人心理状态的反映，更是在作品中独立存在的一种无意识的表达。艺术家的无意识虽然是创作的源泉，但一旦作品完成，它就具备了独立的生命和意义。
无意识是指那些不被我们有意识地察觉或控制的心理活动和情感。它们深藏在我们的内心，常常通过梦境、自由联想、以及艺术创作等方式浮现出来。艺术作品可以被视为一种“文本”，通过解析这个文本，我们可以探索和揭示隐藏在其中的无意识内容。这与弗洛伊德的梦境解析有些类似，梦境和艺术作品都是无意识的表现形式，通过它们，我们可以窥见内心深处的情感和冲突。

梵高的作品往往带来对抗孤寂和毁灭的抑郁倾向（P07），对抗死亡，对抗无形无质的迷幻魅惑。无意识行为的创造力离不开对作品形式的探寻，这种创造力是粗暴的，毫无道理，没有的道德，混乱不堪，难以约束。
一个弗洛伊德的术语：sublimation（升华），用来描述力比多反射的精神，当displacement（替代）具有较高的文化或有益社会的目的，例如艺术或发明创造时，就成了升华。冲动体现在梵高的作品中，内心有了一种未经大脑深思熟虑的能量，促成作品的诞生，赋予其生命。这股能量会找到契合自身的表达方式（P08）。冲动到升华，是什么引起的冲动？托马斯的小说《威尼斯之死》，主角古斯塔夫将对一位青春期男孩的冲动升华，成为他源源不断的写作灵感。
梵高为了摆脱抑郁症的阴影，为了摆脱内心深处如无根浮萍般漂泊不定的感觉，为了摆脱命运锁定坎坷的标记，为了摆脱深陷黑暗地狱的命运。他投入绘画创作，这可以看作是本体的伤痛转变成能量的方式，也可以看作是对原初伤害的回应。

一个显著的例子是《夜间咖啡馆》（Café Terrace at Night），在这幅画中，梵高使用鲜艳而不协调的红色和绿色、对比强烈来引发一种不安和心理动荡的感觉。研究者认为，这幅作品展示了人类心理冲突和黑暗面的内容。比如，明亮的红色和绿色营造出一种压迫的氛围，这反映了恐惧、不安全感和孤独感等情绪，这些情绪在弗洛伊德的无意识探索中是常见的主题，与精神分析理论中提到的无意识冲突相呼应（Teen Ink）。
芝加哥大学艺术史教授Joshua C Taylor在1962年发表于《底特律艺术学院公报》的一篇论文中指出，梵高的作品是基于他的情感的，因此在他死后几十年仍能引起观众的共鸣。Joshua C Taylor强调梵高，短暂而激烈的画家生涯，这使他擅长创作通过其自身感性形式投射出创造性生活的情感和活力的画作。
雅克拉康所说，艺术作品沿着物的炙热的真实界的边缘前行，不能为了确保安全而过于远离，那样会失去张力和表现力。梵高作品中充斥着无意识行为的力量，将不可见转变为可见的能力。

《星空》（The Starry Night）这一作品被认为是他在精神病院期间创作的，可见的是旋转线条和涡流状的星云，不可见的是宇宙的巨大力量和不安的情绪（mymodernmet）。深蓝色的夜空和黄色的星星，旋转的天空和不规则的星星，笔触和颜色，这些共同组成的节奏，表现出无意识的力量。
巴塔耶认为星空、太阳是梵高对其根本力量的痴迷，梵高这种对太阳的痴迷并非仅仅是一种精神状态变化的产物，实际上，它是支持梵高绘画生涯的一种根本力量。“向太阳”，权力的献祭。这种献祭和追求从画向日葵、太阳等中能窥见。他对这些的追求并没有停止。1885年9月，凡高在圣雷米给弟弟提奥的信就直言：“我多么渴望见到强烈的阳光，因为我认为一个人不了解光线就无从理解德拉克洛瓦作品的基本手法和技巧的要点。在北方，我感受到的色彩是遮掩在雾霭中的。这儿的一切是非常真实的。”
1881年，他在爱上自己的表姐遭拒后，他把一只手放在燃烧的蜡烛上烧烤，这也可以说是他最早的无意识的献祭行为。正如梅洛庞蒂所言，梵高所画的正是打动、撞击、触摸他眼睛的事物（P10）。他所描绘的是无法展示的对象，可见物最深层次的结构，从视线里逃脱的东西，自然的真实界（P83）。
人充满劳作/但还诗意地安居于这块大地之上/我真想证明/就连璀璨的星空也不比人纯洁/人被称作神明的形象但是我们却失去了/栖息的家园/人性的崇高/盲目地一点点沉沦/消失/就象撞落在悬崖上的浪花/又无知地扑向另一个悬崖/年复一年/没有目的
荷尔德林那诗歌里缺乏联结的跳跃的节奏与梵高绘画中运用的色彩有着异曲同工之处，神话在他们那里成为了当下在场的现实。人们所理解的生命、自然、世界的亲密感获得了更大的内在的实现。
文森特名字作为他者
在精神病急性暴发与再次发作的间隙之间，与初期表现出那种富有哲人态度的激昂状态相伴，一种日趋强化的安全感或自我肯定的恬淡感。梵高的风格也发生了显著变化，这些作品被他自己也被别人视为其成长与取得成功之目标的顶峰。这时，他保持着创造力，创作不受妨碍地持续着，并创造出一些全新的作品。在这整个过程中，自始至终存在着强烈对抗与自律创造之间的巨大张力。
激烈的状态，源自梵高的母亲亲眼看到第一个儿子刚出生后不久就夭折了。两个孩子都以文森特来命名，但这两个孩子并不是同一个人，在母亲眼里，她希望用名字来克服心理的裂缝，梵高是代替品，是母亲拒绝孩子死亡的显现。名字是一个他者欲望力量的象征体现。通过命名赋予一个生命最初的，最基本的文明性（P12），孩子得以加入这个象征世界。

给孩子命名一个名字，是最初的异化，是父母的无意识的幻想体现，孩子做为主体并不知道其中的诠释，似乎凝结了命运的某个部分，家族期待，幻想，传统，起名刹那时的无意识。
3月30日出生的梵高，恰好他的哥哥也在一年前的同一天死去（P14）。梵高的出生和存在，只因为他的父母否认第一个儿子的死亡。你无法说这是巧合，还是命运，或是一种偶然性。但一致的日期导致了代替成为了“事实”，拉康认为，“如果自居作用没有他者的欲望渗透其中，而是建立在失去的某个对象自居的基础之上，同时这个对象失去的原因可能是死亡、缺席、无法获得等，但终究因此被过度理想化了，这个时候自居就会演化成抑郁症型自居作用”，我们的名字不可避免的被他人选择确定。有的人通过改变名字来改变命运，其背后蕴含的道理，以修改名字的力量，改变你所附属的链条，改变主体在他者的欲望中的登记形式。
死去哥哥的理想形象构建了一个死者的双重真实界。梵高身处在一个冷漠的环境，这让他的人性化极不稳定（P45）。笼罩着哥哥的阴影，承受着哥哥带来的压力，导致梵高自身形象的自恋镜像过程被中止了。在母亲心目中被高度理想化的哥哥的墓碑，耸立在梵高面前，墓碑代替了镜面，梵高面对的是一个石化了的形象，真实身体和自恋形象脱节，被囚禁在无法实现的完美理想的牢笼之中。
阴影和墓碑，寄生在梵高身上，超越了他诞生到世界来的本质存在，他没有在欲望中登记，故而居无定所，所以他产生了强烈负罪感。弗洛伊德理论认为，“这种认为自己有罪的精神错乱，是真正的道德错乱，主体感觉永远被自身的不够格所奴役，感觉到自己没有权力存在”。梵高渴望与他者进行永久切割。梵高的自杀，不仅仅是抑郁症围绕对生而为人的负罪，也是主体以最激烈的方式同他者进行切割的绝望尝试。

EVA中碇真嗣，父之名的拒斥，身体与形象分离，身体破碎的真实界，主体本身生命恰如没有生命情感的客体，失去了自身的形象，成为了负担、死物、多余的无用客体。碇真嗣希望通过自杀来唤起父亲的关心？不，碇真嗣希望摆脱这种无用的垃圾客体的身份，彻底离开，拉康所言，这是一种客体的自杀。
“精神分裂症与艺术创造并没有必然的因果关联，正如并不是所有的艺术家都是精神分裂症患者一样，也并不是每个精神分裂症患者都能成为艺术家。只有在那些具有创造天赋的艺术家那里，精神分裂症才有可能成为诱发其创造天赋与带来创作风格剧变的一种契机，并成全了这种将生存与作品浑化为一体的艺术创作的独一无二性”。艺术创作是梵高的防御掩体，也是深深扎入生命痛苦的源头，面对丢失客体的抑郁症自居作用导致的死亡倾向，艺术创作作为梵高生命的延续提供了可能（P54）。
俄狄浦斯缺失，提奥与高更
培养一个艺术家，他需要在小时候就没有在他者欲望领域进行象征界登记，没有被俄狄浦斯情结确认，父之名的拒斥，然后他从小学习绘画技术，等技术成熟后，潜藏的精神问题以抑郁症、精神分裂展现。他在清醒时，将艺术创作的象征代替成为抑郁症的唯一疗法。从而这个艺术家能摆脱学院派的固化的语言模式，打破艺术史体系中陈旧过时的表达。
在精神分析学家眼里，提奥和梵高的关系是如此情真意切，又如此相互依赖（P23），这种关系是一种想象界的互相补偿，梵高的自杀让提奥本已相当脆弱的精神状态不堪重负，他也不幸出现了疯癫和暴力倾向，甚至企图残杀妻子和儿子。最终提奥在梵高去世后的几个月后，也就是同一年十月离开人世。

根据拉康的模型，梵高与提奥的关系是“想象界拐杖”的关系，弥补了缺失的俄狄浦斯。梵高与提奥的关系弥补了天生的父之名的拒斥，在缺乏这一功能的情况下，主体便开始尝试通过镜像类似对象的想象界认同，代替俄狄浦斯式认同的稳定和指引的效果。这种关系沉浸在一种自恋，镜像的认同之中，承受不住任何变动。任何变动都会引起关系的分崩离析和精神失常发作。
梵高作画的时候，并不是精神病发作的时候。什么是真正的疯子？是一个宁愿在疯狂一词的社会意义上发疯，而不愿丧失人性荣耀的某种更高理念的人。这就是社会如何扼杀那些它试图摆脱，或想要躲避的人的，并把他们放在收容所里，因为他们拒绝与一滩高贵的泔水同流。因为一个疯子是社会不希望听到，但又想要阻止他说出某些无法忍受的真相的人。
精神病潜伏期的人，典型的人际关系倾向，排斥任何变动，这体现在梵高与提奥，与其他女性的痛苦的纠缠关系中，在与保罗高更的关系中，都暴露了同样的问题。由于俄狄浦斯的缺失，梵高无法进行想象界的登记，所以不得不尝试通过其他关系中进行补偿，补偿父之名象征界功能拒斥缺失。

梵高与高更共同生活了几个月，在那个期间，梵高画作了向日葵等一系列的作品，这段时期是他们的蜜月期，但在1888年冬天，他们的友谊在不断争吵中走到了尽头，两人的决裂导致了梵高的精神病第一次严重发作。梵高把高更的形象放置在一个完美的理想的高度，高更满足了梵高彻底分享艺术爱好的需求，也让梵高不会因弟弟没有追随他画画而沮丧。高更不仅仅是治疗梵高的药物，更是伤害他的毒药。
梵高所渴望的是一种精神和物质的共融，毫无保留的，绝对的，完全一致的（P27）。高更做不到这一点，梵高在这个时候尝试袭击高更，并割掉了自己的一只耳朵，跑到妓院把耳朵交给妓女，这名妓女曾与梵高和高更都有过关系。随后陷入了瞻望和幻觉之中。
梵高并不死于一种真正的精神错乱的境况，而是他的身体已经成为了一个问题的领域，这个问题是人类的罪恶精神从一开始就担负着的，血肉之于精神的优越性，或身体之于血肉的优越性，或心灵之于一者或另一者的优越性。在这狂乱的迷思中，何处是人类自我的空间？梵高一生都在寻找他的自我，并且是带着一种古怪的能量和决心。“我内心肯定有一种过于强大的情绪，以这种方式欺骗了我，实际上我的脑子里有些东西被打破了”，梵高妄想信念及瞻望确信自己的疾病是由于与阳光、与物的可能力量过度接近，由烧灼、激情和摧毁屏障的越界而造成的。
幻想与行为。他把物（真实）的能量引入身体，着魔，魔化或酝酿，喷射出一幅幅的画作。喷射作为他的行为，一个被客体被逼自杀的人，大自然像是在抽搐，一种惰性被描述了出来。最终，能量淹没了他，并且占据了他的位置。

《凡高之眼》这本书以精神分析的角度讲述了梵高画作中所表露出的种种迹象，结合了梵高的经历，原生家庭，社会属性，接触的女性等等。不过整本书通读下来，书中的精神分析词汇是有一些问题，与其他著作有所出入，不知是翻译的问题还是原作者的问题。比如“想象界拐杖”是什么？没有标注英文原文，所以查不到什么具体信息。我把还记得住的内容以三个小标题简单叙述，“梵高作品中的无意识”，“文森特名字作为他者”，“俄狄浦斯缺失，提奥与高更”。感觉这些都挺有意思的，会对社会中的一些现象以及对某些艺术家产生联想。
精神、意识、无意识是孕育一切文化的土壤，这其中无所谓黑暗和光明，一切二元对立在这里都不存在，也无所谓病态的和健康的，有趣的无趣的。这样的一种原初状态，是浑然一体的，是混沌的，是本真的，也是二元对立的彼岸，虽然它不存在，但梵高对其的感悟便有了独一无二的作品，其作品中，如果你能看到，那么它存在了明确的世界与本真的张力。精神分裂，或者是精神疾病，是我们这个庸俗世界的一把利刃，颓废的隐喻，一种例外。
个人笔记，仅供参考。
文本于2024年5月26日完成。

这个世界的画作有两种，一种是技艺，高深的技艺。一种是本能，内心蓬勃的力量。
高深技艺这种东西，通过天赋，通过后天大量的训练，都是可以达到的。这个世界，传世的画家无论是油画还是中国画，有大量这样的人，宋徽宗、沈周、文徽明，唐寅、吴道子、米开朗基罗、拉斐尔、达芬奇、卡拉瓦乔、伦勃朗、哈尔斯……
不枚胜举……

因此还产生了诸多的流派，其中大家最熟知的可能就是印象派。
其中最著名的就是高更、塞尚、莫奈。
梵高也可以列为印象派，他的技法可以称之为大点彩。
但是在这么多传世画家当中，他可能是唯一一个，或者说更加接近于用本能去绘画的这么一个人。

陈丹青说梵高，他的画很笨，他的一笔一画他的人物，他的造型，都显得很笨拙。这也和这个人有关系，梵高这个人很愚钝，不是那种聪明人。
他并没有接受大量的训练，他也没有接受过系统的学院派的这种学习，他只是学会了最简单的绘画技法，拿起笔蘸上颜料，搅和搅和，在画布上开始画。
这也是他幸运的地方，没有接受过训练，没有学习安排，所以没有拘束，所以他绘画的过程当中并没有受到什么东西的影响。
他所画的东西都是他观察到的东西，折射出来他真实的内心，里面也没有什么技法成分。
所以说他是最接近用本能去绘画的一个人。

所以你看他的笔法非常的粗劣，他的技法非常的狂放，他的造型极致的随心所欲。
这就导致在他的画面上，在他的画笔下，呈现了一种巨大的张力，这种张力源自于他内心那股永不熄灭的生命力，永远在熊熊的燃烧。
这个最能直观反映这种生命力的，就是他的画作，向日葵。

他画过好几幅向日葵，但是每一幅向日葵你能感受到那种深刻的生命力，而且每一个向日葵感觉就像是一张人脸，向生活呐喊的脸。
而且从这幅这些画上你最深切的感受，这些画面不是静止的，而是在动的，无论是星星燃烧，还是随风舞动，甚至是大风中乌鸦飞过麦田。
当年吴冠中老先生在看到梵高的画的时候，说了一句话，他说他受到了震撼，受到了那种蓬勃的生命力的震撼，当时马上就想跪下。

就像小泽征尔听到阿炳的二胡的时候，同样有这样的感觉，你能从这个音乐当中听到那种对生命的共鸣。同样的你也能从画面当中感受到对生活的那种热爱，以及像熊熊燃烧的欲望。
这个世界上唯一能共通的只有两个东西，一个是艺术，一个是美食。
但是美食，相对艺术可能更加的局限，艺术的通感都是一样的。
我相信每一个人听到天鹅之死都会流泪，那么你有什么理由看到梵高的麦田，而不想乘风归去呢。

大丰油画村有很多人在临摹梵高的画，包括现在在网络上有很多人在售卖梵高的仿制品。
画的内容大同小异，但是为什么你从这些作品当中你感受不到震撼的？
这就是理性和非理性的区别。
有一个大芬油画村的画工模仿了一辈子梵高的画，终于有一天他攒够了钱，要去看一看他模仿了一辈子的这个人，他的画究竟是什么样的，当他真正的站到梵高的画跟前的时候，他内心受到了极大的震撼，禁不住泪流满面。
记者问他，你的画和他的画一样吗？他摇摇头说，不一样。
怎么可能一样呢？一种是用生命力在作画，一种是在简单机械的模仿。

梵高的画很容易模仿，但是画出来之后，你很难达到那种张力，达到那种似乎要从画布上喷薄欲出的生命力。
要是余生有机会的话，我建议你一定要当面看一看这些画真实的样子。
我相信你也能受到震撼。

[收藏本文] 【下载本文】

设计艺术最新文章

如何评价未明子讽刺那位想要开画展的青年？

如何理解书法中的“取神弃形”？

C#如此设计完善的语言，为什么要搞个多播委

加:2025-05-30 09:37:01 更:2025-05-30 09:53:21

股票涨跌实时统计涨停板选股分时图选股跌停板选股 K线图选股成交量选股均线选股趋势线选股筹码理论波浪理论缠论 MACD指标 KDJ指标 BOLL指标 RSI指标炒股基础知识炒股故事

网站联系: qq:121756557 email:121756557@qq.com 天天财汇