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[设计艺术]怎么看待有些画家创作的作品其实是比着照片画的？

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比如说想创作一副风景画，画家就背上相机去风景区拍一些照片，然后回来选一张好看的照片，比着这张照片画出来，就算自己的创作了。或者比如说想创作一副人物肖像…
是这样，
我不知道大家怎么看，
总之我是跪着看的。


以下黑白为照片，彩色为“比着照片画出来的”画。
















我们会产生类似题主的疑惑，
有争议的主要是以下几个点：
①比着照片画缺乏创造性与创作价值
②光影透视规律等绘画基本功的“偷工减料”
③写实派画家的基本技能“以二维的画呈现三维场景”被照片这个同为二维平面的“工具”一转化难度降低了


但你看这位大佬的画↓
这些问题你觉得他有吗？
















我觉得没有！


啊忘记介绍了，这些作品的作者是美国著名的插画大师——诺曼·洛克威尔（Norman Rockwell）。
一生创作无数经典作品，曾被《纽约时报》誉为“本世纪最受欢迎的艺术家”，是当之无愧的巨佬。
他的绘画基本功这些不用我说大家也能实实在在地看出来感受到，
他的这些画即使原型是一张照片，也能感受到他加入了自己的灵魂，他对照片进行了再创造，有自己的艺术理解和艺术表达。
所以你完全不会觉得这些画缺乏创造性。


他的画面呈现力也是肉眼可见的，你甚至感觉他的画比照片更立体。（当然这也有色彩的功劳）
说到写实这个事，其实牵涉到对写实画的理解，大家对写实画最多的一种理解就是“逼真”，
而诺曼·洛克威尔的画写实写的是“社会现实和人民生活”，
人们能从他的作品里，看到自己日常生活的缩影，
他的画作，记录了20世纪整个美国社会的变迁史。
母子、师生、爷孙……
一次课堂、一抹黄昏、一个日常温馨的小瞬间……
都是他创作的主题。






他将著名的罗斯福演讲中的“四大自由”用绘画的形式呈现了出来，这也成为他最重要的代表作之一：


《信仰自由》


《言论自由》


《免于贫困的自由》


《免于恐惧的自由》
就连咱人手一本的经典读物《故事会》，也经常用他的画当封面，没想到吧！




《眺望》




《1937年7月7日星期六晚》




《傀儡手》
最后再贴两张大佬帅照以示尊敬↓




照片是工具，看各位小画家们怎么用了，
有创造力的人，怎么也抑制不住的。
私信有小伙伴讨论到了照片和画画之间的实用转换，放点教程给感兴趣的铁子们自取↓
欧美风厚涂人像照片临摹技巧?www.lanqb.com/course/1203?FLAG=COP-00000621-LANQB&utm_source=zhihu


照片+手绘鲜肉绘画教程?www.lanqb.com/course/199?FLAG=COP-00000621-LANQB&utm_source=zhihu


我是
@肥皂君
，如果我的回答对你有帮助的话，记得点赞关注喔~




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谢众邀。据说文章开头不燃，是不会出高赞的。这次我就燃一把，题主在问题描述中的总结真是太无知了！而这种无知又表现出一种满满的恶意，一种吃不到葡萄说葡萄酸的寒酸劲。如果我们每个人都这样看世界，那世界必然是痛苦难耐的。想要解脱，就必须宽容待人，必须保持怜悯和谦逊。宁静在我们的心中。
所以先摆出自己的观点：画家在创作中使用照片，甚至临摹照片都是无可厚非的，并且是自古有之的，如果有异议，请出门右转，先找死人商榷。
只想看干货的，请直接看正文以下的内容。
那我们开始喷题主。首先，题主在逻辑上有一个致命的谬误。题主认为画家诚实与否取决于他是否在描摹自然，或描摹实物。那我们思考下面这个问题：
如果一位画家想要绘制一幅照片，他按照相片原本的模样，一丝不苟地制作出一幅几乎与相片一模一样的绘画作品，那他描摹的对象是否为自然，或说他描摹的对象是否为实物呢？
显然，这位画家描绘的对象是一张作为实物的照片。所以题主的谬误在于，他的逻辑必须建立在“照片不是实物（自然）”的基础上，否定了照片固有的“物质属性”。这里我想@李郸，请题主您解释一下这个谬误。
题主可能会辩解道：“照片是静止不动的，而自然实物是运动着的”。那好，我们再进一步考察视觉观察本身。不论我们观察照片，还是实物，我们所见的最终都是视神经传递给大脑的视觉信号，也就是一张张不连续的画面。画家的工作是将这些不连续的画面“翻译到”画布上。因此我们描绘的对象其实都是现实世界在大脑中的投影，而非其他事物。也就是说，不论对象动与不动，对象是平面的还是立体的，艺术家所要处理的信息是相同的。无赖地说，即使给普通人一张照片，他也无法把照片变成一幅唯妙唯俏的画，究其原因，是因为绘画不止于观察，同时也不是每个人都会观察的。
如果我们有一张照片，又该怎么把它翻译在画布上呢？对于透视和造型轮廓，我们都需要测量，只不过照片是平面，看似比较好测量。但其实在照片上测量和在现实空间中测量是一样的。我们最终看见的图像是一把尺叠印在事物之上的图像，又有什么区别呢？那为什么看上去画照片比较容易呢？是因为画照片时，我们能“更精确”地读出测量的数值，而要在现实空间中读出这个数值，必须要求艺术家测量时手臂不能弯曲，每次测量都要保持同样的姿势和视点。那要解决这个方法，我们可以借助三脚架，何尝不可呢？再进一步，可能题主想说非裸眼绘画都是不诚实的吧。那在画面上布置辅助线算不算诚实呢？再进一步，因为事物本来没有轮廓线，那用轮廓线作为辅助线帮助画家处理画面，这么做算不算不诚实呢？再说下去，我想世界上没有人可以画画了吧！
那题主错在哪儿了？题主错就错在她只看到绘画的过程，没有看到绘画的结果。也正因此，卖画赚钱也是错的。因为绘画是很私人的，是一种艺术修养，把自己修养过程中的副产品销售出去，那也是不道德的。我上面说的几点都是现在中国大众对艺术和艺术市场的普遍看法背后的思维逻辑。他们之所以这么想是因为他们只看到绘画的过程，看不到绘画的结果。换句话说，可能很难听，绘画、图像、美之于多数中国大众并不是必需品。这却是残酷的现实。
我还是喷的不够燃，哎，我们正经讲一下绘画的问题吧。
---正文---视觉观察方法的演化简史
与中国绘画史不同，西方绘画史其实可以看作一部观察方法史。这是因为西方绘画重在重现自然事物，重在描摹自然形象，他们的作品和创作更加形而下，不和观众搞那些形而上的（虚头巴脑的）东西。所以，我们能直接说：西方绘画技法的更迭与演进就是人类观察方式的更迭与演进。而这种对观察方式和重现方式在技术上的更新和创造，可以追溯到古埃及时期。
零）原始人类的洞见


公元7300年的阿根廷手洞是我们讨论人类视觉观察史的原点。令人惊讶的是，原始人类在描绘手这个形象时居然能使用两种截然不同的方法：1）蘸满颜料按在岩壁上，留下手的正造型；2）先将手按在岩壁上，然后用把颜料染在周围，留下手的负造型。这两种不同的绘画方式，告诉我们在近10000年前，人类已经发现任何事物都具有轮廓和体积，并且任何事物都是在现实世界中实际存在的，而非我们想象的画面。
一）古埃及人的贡献
古埃及人在艺术创作过程中至少发现了三大重点：1）遮挡法：当我们画两个交叠在一起的东西时，靠近我们视线的东西会遮挡远离我们视线的东西；2）绘影法：描绘日头下人与物的影子，这一做法就是在描绘人与物的侧面；3）规模化生产：只要定下具体的尺寸和比例，不同的工匠都能合力创作同一件雕塑和绘画。这三大法则的发现让古埃及人的艺术超越了原始人类的艺术，出现了人物侧影、远近效果和大量的巨型雕塑。


使用规模化生产的一大例证，就是古埃及巨型石雕。我们能在上图发现，这些石雕是用几块石料拼接在一起的。如果我们测量这些石料的具体比例和造型，就能发现这些石料是按照既定规制创作的。同样的例证可以在秦始皇兵马俑中找到。艺术的规模化生产这一现象意味着，人类发现世间一切事物都可量化，都可翻译成数学语言。对这一问题的具体解答可以看潘诺夫斯基的图像学讲稿。
古罗马雄辩家昆体良曾说：人在地上描绘太阳投下的影子时，绘画就此诞生。但这说的是古埃及人还是古希腊人我们不得而知。不过，比较古希腊和古埃及绘画，可能古埃及人更适合这种解释，因为古希腊绘画在形制上更为奔放自由，更表现出艺术家的主观语言。但不管怎样，我们可以得知，在古罗马之前，西方人就已使用绘影法进行绘画创作。
影子与事物的关系是可以通过数学演算推导。同时影子也能被人类制造出来。在黑暗的房间里，如果我们安排一盏烛灯，影子就能自然且平直地投射在墙壁上。而这个影子就是自然事物在二维平面上的投影。如果古希腊人不相信这点，那柏拉图的洞穴寓言是写不成的。
二）古希腊和古罗马的创举
古希腊人和古罗马人的伟大创举是在绘画中使用近大远小法则。不要小看这一创举，因为这是透视法的真正开端。这一观念的出现必须基于将绘画视作自然事物的二维投影的前提上。而这个前提在后来的历史中屡遭责难。最明显的例子就是在中世纪时期，人们完全抛弃了近大远小法则，他们像古埃及人一样，把地位高的人或神画得更大，而把地位低的人画的很小。在中国绘画中也能见到类似的做法。


另一个创举是将万事万物，将美概括成比例和美的观念。“美在比例”的观点就是毕达哥拉斯学派提出的。同时，我们在古希腊雕塑中还能发现，艺术家试图将雕塑手法凝固为一套可供模式化生产的比例系统。其中最为突出的例证是彼利克列特的《法典》。没错，这尊裸体雕塑就是一部雕塑法典，也是后世艺术家学习人体比例的重要素材。
古希腊人和古罗马人的最后一个创举是他们构想出的神话生物：奇美拉。奇美拉也叫做嵌合体，是将各类猛兽合为一体的怪兽。虽然其他民族的神话故事里也有类似奇美拉的怪兽形象，但古希腊人第一次“证明”了这种怪兽存在于世间的可能性。在亚里士多德的《动物学》中，就已阐明人、禽、兽、鱼都有脊椎和相近的器官。基于这种认识，我们可以相信古希腊、古罗马艺术家已经明晰世间万物的造型具有一套更深层次的法则，即基于骨骼、肌肉的造型法则。至此，人类开始摆脱依靠抚摸绘画对象或仅凭肉眼观察而进行绘画创作的婴儿时期。
三）中世纪的遗珍


上面这幅画是中世纪末期的作品，但我们能发现画家具有很强的写实能力，不过这幅画更像是剪纸拼贴，而非三维空间的二位重现。这些精细的人物描摹很有可能是借助古希腊时期发现的小孔成像原理制作的光学仪器绘制出来的。中时期末期欧洲北方艺术家对人物细节的描摹让人难以想象他们是如何掌握这门手艺的。不过，除了精细的人物细节外，我们也找不到任何合理的建筑空间和透视画法的痕迹。
但我们不能说中世纪没有透视法。我们应该说在中世纪的透视法要么是臆测的，要么是一种称为“反向透视”的透视法。这种透视法的特点是近小远大，如下图。


我们认为这种透视法是服务于动态视觉的，也就是说当我们行经这幅画时，我们能看见连续的，相对合理的幻觉空间。同样，我们能在中世纪的巨型壁画中发现，建筑物的造型往往使用“成角透视”，也就是同时表现出建筑物的两个侧面。使用成角透视的目的其实和反向透视一样，都是为了照顾动态视觉。


虽然中世纪使用的成角透视法并不符合数学规律，但仍能表现出一定的幻觉效果。文艺复兴僧侣画家安杰利柯发展了这种透视法，在他的作品中，连续布置的成角透视将不同时间发生的故事结合在同一个动态空间中，当观众走过画面，故事发生的场景便依次打开。这种做法与中国卷轴画使用的所谓的散点透视异曲同工。


而反向透视在后来几百年中少有人提及。但这不失为一种先进的幻觉表现法。当代艺术家Patrick Hughes就改造了反向透视法，并创造出十分逼真的动态幻觉。知乎不能放gif图，所以大家看这个视频。
A Patrick Hughes Reverspective Painting http://www.tudou.com/programs/view/KiZLe1pvYcM
四）文艺复兴的辉煌
文艺复兴对人类观察方式的贡献有很多，总结来讲就是：1）透视法的重新发现和应用；2）绘画观察技术的快速更迭；3）印刷术和版画技术的大量使用。
现代意义上的透视法的总结者是建筑家布鲁内莱斯基和画家皮埃罗·德·弗朗切斯卡两人。透视法的应用让建筑空间的描摹变得十分精确。而这种精确也导致观众必须在固定视点才能看见最完美的幻觉空间。将透视法应用在绘画中的第一人是马萨乔。在他的作品《三位一体》中，我们可以发现用中央点透视构图绘制的祭坛图景。这在之前是不存在的。


使用透视法创作的作品与之前的反向透视不同，画面像是深入墙壁的一个新空间，而不是凸出墙壁的现实事物。但不管怎样，西方艺术家最后接受了这种新式的绘画方法。这也使得我们的视觉观察方式越来越趋近于相机的单眼视觉。
推广透视法的先驱是艺术理论家、建筑家阿尔伯蒂。他除了在著作《论绘画》中阐明透视法是杰出艺术家必须学习的外，他还推广各类绘画辅助工具。而这些绘画辅助工具，一下子提高了艺术家描摹自然的能力，让我们得以看见古典绘画如此精湛的技艺。那么有哪些绘画辅助工具呢？
最简单的工具是九宫格。也就是制作一个带网格的透明画框，放在景物与画家之间，然后在纸张上按比例画出九宫格的辅助线，还可以添加一把尺子来准确定位。


高级一点的方法是利用小孔成像的原理，或者说光的直线传播原理制作的工具。这里的被画物可以是静物、人物或者风景。


这种利用小孔成像原理制作的工具有一个高级版，叫做暗箱或者暗室。利用一块45度角的反射镜，把小孔成像获得的图像投影在水平纸面上。随身携带的版本也有。






这种机器的创作与西方人对眼球的结构研究有关。在达芬奇的笔记里我们就能看见相关的研究稿件。那时他说自己制作出了一台便携式的暗室。我们可以相信达芬奇确实制作出了那台暗室，这是因为达芬奇曾为美第奇家族制作过足以烧开染料锅炉的死光反射镜。而他在老师韦罗奇奥工作室的一项重要工作也是打造可以焊接巨型铜球的太阳能焊接镜。


不过文艺复兴时期的暗室都比较小，不能创作大幅作品。为了解决这个问题，艺术家们还发明了复写器和放大器。甚至将复写器和玻璃版安装在一起，形成可以直接描摹并放大图像的绘画工具。




除此之外，那时还有一种更小巧的绘画工具叫做明室。这是由一组半透镜和反光镜组合而成的工具，画家可以同时看见白纸和所要描摹的事物。


绘画辅助工具的快速发展让艺术家可以准确的描摹自然，但他有一个显著问题，即画面中的自然形象是单眼透视的效果，也是静止于一个固定点的视觉效果。不论艺术家再怎么努力，我们无法使用这些工具创作动态视觉的幻象场景。
这些绘画辅助工具的出现预示着摄影机的最终发明。因为这时我们已经把小孔成像的结果，把单眼透视看成正常的视觉模式了。摄影术的出现只是把暗室中的纸替换成感光板而已。但是，至此我们离摄影术的发明条件，还差一个重要观念，那就是图像的观念。
印刷术和版画插图在欧洲文艺复兴时期的普及，让人们出现了图像意识。也就是说，画面不再是必须通过塑造，通过堆叠颜料才能创造的，而是可以通过复制技术得出的。图像意识的重要意义在于，欧洲人再一次地确定画面只是现实事物在二维平面上的投影，且画面可以呈现在任何媒介上，同时图像与实物是不同的实体。总而言之，古埃及的规模化生产，古希腊的投影理论和文艺复兴的版画技术合为一体时，我们对视觉的认识得到了前所未有的飞跃。这也是中国人为什么发明不了摄影术的一大原因，在100多年前，我们第一次了解摄影时，我们还认为这是摄魂的机器。这里的问题就在于我们中国人无法区分图像和事物之间的区别。
五）后来的发展
且说西方人发展到文艺复兴后，基本建立了现代意义上的视觉观察系统。但在机器装备上，后世提高了不少。首先是对绘影法的发展。我们发现18-19世纪曾出现大量侧影肖像作品，甚至中产阶级都能买得起美丽的画像。这是因为绘影法遇到了新式机器，虽然这台绘影机的原理及其简单，却能显著提高画师的水平，让绘画市场得以繁荣。


另一项发明是巨型暗室，这些暗室可以容纳十几人观看，中央放置大型圆桌，能让画家十分简单地就勾勒出风景画面。


接着，在19世纪中叶，我们便迎来了摄影术的发明。它的原理就是在暗室基础上，将白纸换成感光板。
后来的故事大家都应该了解了。随着红外线技术、雷达技术的发明，我们能看见更多肉眼无法侦测到的图像。事实上，机器是人类器官的外延，我们在使用机器时，我们对世界的看法也会得到改变。今天人之所以能区分图像与实物的区别，这必须得益于机器的普及。通过近万年的发展，通过机器的协助，今天的我们在对待图像时，才能祛魅地观察。
最后我想用视觉大师埃舍尔的一幅画结尾，今天我们熟知的视觉模式与柏拉图在2000多年前提出的一模一样，视觉只是万物在我们脑海中的投影，是不真实的。不仅能用单眼透视的系统在二位平面上重现立体的视觉，中世纪的反向透视其实也有自己的道理。人类视觉史还没有结束，我们仍在不停求索，希望发现更多有趣且实用的方法。


更多关于“视觉与绘画辅助工具”之间的讨论，请关注我的微信公众号“几册”，或搜索”Jiceart“，我将在周日发文和大家接着谈谈绘画辅助工具的原理和它对人类世界观的重要意义。
看到题主这一句:
“画照片时候，像光影啊，物体透视规律什么的都直接比着照片里面画就好了，都不需要练了。”
我就觉得很无语，那请问题主以为什么是练习？看着照片画就是在练习啊。
你不练习看着照片就能画出跟照片一样的画？我画了这么多年也没达到这个水平，还望题主找一个出来让我开开眼界。
是不是题主以为光影和物体透视规律的练习就是在脑海里凭空想象着画？人是不可能画出自己没有见过的东西的。即使是奇幻类的创作，那也是根据世上已存在的物体加以改造融合。
或者题主觉得要写生才算是创作？但是现实中光影千变万化，可能这个时候是这样过一会就是那样了，不看照片怎么能保持统一，怎么能把握光影的规律？
再退一万步，自己拍摄的照片也是自己的创作，只要不盗用别人的，你就没有任何反对的理由。
传统手绘材料因为修改困难，找照片参照也正常吧。
而cg绘画这边，因为工具变简单了，所以大家画图就纯靠想象了，能纯靠想象画出来当然会更自由一些，这也是cg画师的普遍追求。
像我画图就从来不会照着照片画一样的东西，哪怕是局部也不会，你就算翻遍了互联网也找不到跟我图一样的地方。
因为我找参考只扫描结构，不复刻表象。
按照题主的逻辑来看嘛
那些大厨不就是比对着食谱，拿着食材随便搞搞，反正食谱上每样物品的用量，火候都有规定嘛。
这样的美食算美食吗？我发现并不是个例。作为圈外人，我并不懂太多美食，但是从我日常做饭炒菜那点知识来看，对着菜谱，像用材用量啊食谱里都有规定，照着做就好，都不需要练了，让我觉得这样的美食吃起来有种廉价的感觉，甚至有种被骗的感觉，现在我吃着很多饭店的菜都有种吃食谱的即视感。
我说的肯定很外行，希望大家不要打我。
那些摄影师不就是拿着相机，到处拍一拍游山玩水嘛，反正找几个好看的妹子，好看的风景嘛就能出好看的照片了。
这样的摄影算摄影吗？我发现并不是个例。作为圈外人，我并不懂太多摄影，但是从我拿手机到处拍拍那点知识来看，模特那么好看，直接拍就好，都不需要练了，让我觉得这样的摄影看起来价值感低了很多，甚至有种被骗的感觉，现在我看着很多摄影展都有种我也行的即视感。
我说的肯定很外行，希望大家不要打我。
那些演员不就是背好台词，在镜头前面演一演嘛，到处逛一逛嘛，反正对着镜头说几句话就可以。
这样的电视剧算电视剧吗？我发现并不是个例。作为圈外人，我并不懂太多演戏，但是从我玩小咖秀那点知识来看，有配音，有bgm，有剧本，演员直接演就好，都不需要练了，让我觉得这样的演员看起来价值感低了很多，甚至有种被骗的感觉，现在我看着很多电视都有被骗钱的即视感。
我说的肯定很外行，希望大家不要打我。
……
世界上哪有事情这么简单啊
一样的照片，顶级画家和初学者画的能一样吗？用色和画面构图、质感表现等等的把控能一样么？
一样的菜谱，米其林大厨和我做的能一个味儿么？我用的金龙鱼油，他用顶级鲜榨xxxxxx橄榄油，能是一个味儿么？
一样的模特，顶级商业摄影师和我，会后期和不会后期，效果能一样么？
作为一个设计狗，要是对着照片画，就能开画展，我今天就不会蹲着吃土了［笑着活下去］
首先，我可以明确的说，画照片是一种被认可的合理手段，只是怎么画才是值得商榷的，正确画照片的流程应该是这样的：
关于风景
对于大尺寸风景自然很难写生完成（特别是细节较多的那种），光的变化时刻不同，日日不同，所以古时通常是画家写生绘制一个色彩稿以记录当时之色彩，绘制一个详细的素描稿以记录其细节，然后回到家中以色彩稿与素描稿进行放大处理。而如今相机只用就在于可以迅速且清晰的记录下景物之细节，取代原有的素描稿（但是一般一个小的概括的素描稿还是有的），画家通过色彩稿的色彩记录，参考照片记录之色彩以及自身之经验在进行放大绘制，相机和人眼关于色彩的记忆是不同的，各有其优缺点，维米尔的色彩就有借鉴摄像技术之嫌，如果仅以照片进行描绘，且作者并未去过照片中之当时场景，画出来的作品不过是对相机的处理后图像的描摹，除非作者有着极其丰富的写生经验，可以根据照片进行色彩再处理。
关于人像
传统的人像也是要对模特进行实景写生，画出色彩小稿与素描精细稿。然后根据其进行放大，如果是古典绘画，色彩感觉若于素描写实，则可参照色彩小稿直接绘制，若是印象派这种或是俄罗斯绘画等后世直接画法，通常是要持续进行写生的，除非你有丰富的写生经验。放到现代，对于古典技法，相片基本可以取代模特描绘（毕竟颜色趋于定式），但是对于直接画法，照片只能当做素描效果做参考只用，譬如苏派，尤以我的母校苏里科夫美院为例，色彩之细微变化必查，整个画面色彩虽统一然毫厘间之色彩亦不同，此种效果非写生而不可得，故而画照片在很多工作室都为教授所不耻，因此一个要求严格的班级，对于一副创作，人物服装乃至一草一木均需写生，而后根据整体之色彩稿拼合为一。
最后关于去创作性：
关于画照片是不是创作，首先照片之构图，光影之把握，场景之布置如果皆出自画家之手，则其本身就是一个摄影创作，而能不能将其由摄影之创作升华为绘画之创作就要看画家对照片之使用，若是完全依照片描摹，则其艺术性和绘画之创作性下降。如果只是拿别人的照片来处理，且完全忠实于照片，不对照片做任何之改动与润色，那就只能算是描摹，基本不存在创作。因此我认为，只要照片是画家自己参与拍摄的，那么就是创作，只不过创作成分多少的问题
大家好，我是nor叔。
我是追随我的偶像看到这个问题的，然后我觉得我应该答一下，因为我就是对着照片画，更过分的是，我临（感谢评论区陈捷指出错误，此处应为摹着画，10%的时间，我会临一下）着照片画。
我们先看看照片原片吧








这些除了第三张的小哥在玩单反之外，其余的，按我的经验来看，不可能是单反照的（如果是，那技术烂到一定境界了），所以你双击打开，都不是很清楚，但是这个分辨率就是我拿到的最高清原图了。并且，我相信，从任何角度上来讲，这些照片都有一些硬伤，例如姿势不够好（好但是差一点），都是普通人不够好看，杂物很多（包括属于自己的头发也是杂物），构图不佳，曝光不够，iso杂点太多等等，这些原因让这些照片属于一般般，意味着，有上升空间。在此基础上，有什么可以做的呢？
有，高端的说法是融入画者（自称画家说不出口）的价值观，而这个价值观，在画作上是用提炼和取舍来提现的。
低端的说法是，画得更好看一点。
成品如下








当然，有人说这不是艺术创作，我也不太深究，不过如果这不算的话，那就当我是个街头卖艺的吧。你开心就好。
最后，我一般喜欢再做一点处理，像这样
http://weixin.qq.com/r/Z-jq8kjEJhVZrQyR9611 (二维码自动识别)
顺便，检查一下知乎是不是还脑残地把我的二维码处理了。
要画画加微信，扫码，如果二维码又被改了，微信号5807755。
目前已经在满速（每天200-300）加好友了，但是微信规定的速度就这么多，所以请多耐心等待一下哦。
最后，惯例：
1. 如果你不喜欢我的画，没有关系的，各有所爱
2. 如果你喜欢并且找我约画，但是又不关注我不点赞，你


很直白地，我想红 (._.)，这么想


看到评论区里某些回答我真是……(┯_┯)
非得让我请大家再仔细看看，我真的是在说指挥的事吗？
———————————以下为原回答———————————
这就是内行看门道，外行看热闹了。我是学美术的，我怎么觉得音乐会上的指挥完全是多余的呢？人家在那儿演奏得好好的，你非得拿个棍子在那儿瞎比划，有你没你不都一样吗？谁还不会去比划一下啊。再次声明我对音乐是外行啊，可能我说的戳到某些人的痛处了，但是我只是觉得你一个指挥不应该欺骗大众，让人家以为音乐会都是你的功劳，你在家玩玩可以，出来骗人就不行了。
看了楼主的补充。我觉得这题目没必要回答，我还是把自己的答案删掉吧。
大部分回答的比较详细的答案，楼主并没有去理解，或者尝试理解。
只是在寻找一些蛛丝马迹来让自己的理论有立足点。这样的命题大可不必来问，自己开心就好了。
另外，作为圈外人的楼主，即便你是一百个肯定自己的立场，也不会改变既定事实的。也就是说，你的观点，也仅有你认可而已，继续争辩毫无意义。
按照楼主的说法，摄影也不是原创。因为画面里那么美的姑娘不是我生的。
有些画家创作的所谓作品，什么丢勒啦维米儿啦荷尔拜因啦，都是借助原理和相机一样的光学仪器的创作的。
19世纪末期的著名画家，德加啦雷诺阿啦等等都直接画照片。
一百多年过去了，人家画的照片随随便便卖几百万英镑有人抢着买单，你却还在纠结这算不算创作。。。
丢勒，虽然是1530年的办法，比较弱啦，但瞧咱这形多准!：
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加:2025-03-17 10:00:25  更:2025-03-17 10:05:24 
 
 
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